Obra pictórica  
 
 

Mensaje de bienvenida


Estás en mi web. En ella trataré de mostrar mi obra: collages, pinturas, fotografías… y todo aquello que en este trayecto surja.


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Recordando a Paul Gustave Doré, artista francés, pintor, escultor e ilustrador, considerado en su país el último de los grandes ilustradores. Entre sus trabajos más notables pueden citarse las ilustraciones para El ingenioso hidalgo don Quijote de la Mancha, la Biblia (1865) y La Divina Comedia. Doré realizó los dibujos más famosos que existan sobre la obra de Dante. Las ilustraciones comenzaron en 1861, año en el que Doré realiza los dibujos del infierno. Siete años más tarde, aparecían en conjunto el purgatorio y el paraíso. Los diferentes trabajos de Doré causaron diferentes opiniones, pero sin duda los que conciernen a la Divina Comedia son los más conocidos no solo por la estética sino por el contenido de estos grabados que no solo causaron admiración y polémica sino que además, permitieron que el escritor italiano sin saberlo le otorgara un papel protagónico al ilustrador francés.

Por qué hemos llegado hasta aquí

Este libro es el resultado de un doble propósito: intentar entender por qué el «derecho a decidir» se ha convertido en una demanda transversal y mayoritaria en la sociedad catalana de hoy y, como consecuencia de las indagaciones hechas al respecto, por qué Cataluña no ha ejercido este derecho, al menos por ahora. La perspectiva geopolítica europea nos hablará de fallas terrestres y marítimas, interiores y perimetrales, de Estados-Nación, Estados Plurinacionales y de Estados-Imperio. Mantener la frontera española en los Pirineos ha dejado de ser un imperativo geoestratégico. España y Francia son socios dentro de la UE y aliados en la OTAN; las fronteras ya no son lo que fueron. La Transición, un contrato con mucha letra pequeña, es el antecedente de la sentencia del Tribunal Constitucional de 2010 sobre el Estatuto que certificó el fracaso del autonomismo catalán.

Ricardo Romero de Tejada (2017)
Edita: Tiempos de Espera



Horarios gratuitos en los Museos de Madrid


Museo del Prado: Tarde de lunes a sábado, de 18 a 20 horas y los domingos de 17 a 20.
Palacio Real de Madrid: de lunes a jueves de 16 a 18 horas (octubre a marzo) y de 18 a 20 horas (abril a septiembre).
Museo Reina Sofía: Sábados por la tarde de 14,30 a 21 horas. Domingos de 10 a 14,30.
Museo Sorolla: sábados de 14 a 20 horas y domingos de 10 a 15 horas
Museo Cerralbo: sábados de 14 a 15 horas. Jueves de 17 a 20 horas. Todos los domingos.
Museo Arqueológico Nacional: sábados desde las 14 hasta las 20 horas y domingos de 9,30 a 15 horas.
MuseoThyssen Bornemisza: lunes de 12 a 16 horas
Real Monasterio del Escorial: miércoles y jueves de 15 a 18 horas (octubre a marzo) y de 17 a 20 horas (abril a septiembre)


Obra del mes




Sin título (38x46 cm)
Año 2017

 

17 Diciembre

de 1863, nace Edvard Munch, pintor y grabador noruego. En 1885 viajó a París, donde conoció los movimientos pictóricos más avanzados y se sintió atraído por la obra de Paul Gauguin y Toulouse-Lautrec. No tardó en crear un estilo sumamente personal, basado en acentuar la fuerza expresiva de la línea, reducir las formas a su expresión más esquemática y hacer un uso simbólico, no naturalista, del color, y de ahí su clasificación como pintor De 1892 a 1908 vivió en Alemania, sobre todo en Berlín, aunque hizo frecuentes viajes a Noruega y París. En Berlín presentó en 1892 una exposición que tuvo que ser retirada por el escándalo que suscitó y que dio pie a la creación de la Secesión Berlinesa. La obra de Munch se caracteriza por un sentido trágico de la vida y de la muerte, propio de toda la literatura escandinava de Henrik Ibsen a August Strindberg. En la pintura de Munch aparece el rostro del mundo alimentado por esas fuerzas desconocidas que forman parte también de la condición humana. Su ambicioso proyecto titulado El friso de la vida (1893-1918), al que pertenecen sin duda sus cuadros más representativos, refleja los sentimientos y las obsesiones humanas. Veintidós de esas pinturas fueron expuestas, en 1902, en la muestra del grupo berlinés Sezession. La mayoría de ellas refleja la desilusión del fin de siglo y la imagen del hombre como víctima.





de 1871, nace Emily Carr, artista y escritora canadiense profundamente inspirada por los indígenas de la Costa Noroeste del Pacífico. Básicamente se conoce a Carr por sus pinturas. Fue una de las primeras artistas en intentar captar el espíritu de Canadá en un estilo moderno. Los temas principales tratados por Carr en su trabajo adulto fueron los nativos y la naturaleza: "los tótems nativos situados en la profundidad del bosque o en aldeas nativas abandonadas" y, más tarde, "los largos ritmos de los bosques del Oeste, playas de maderas flotantes agitadas y amplios cielos". Destacan sus obras escritas, de nuevo sobre sus amigos nativos. A parte de Klee Wyck, Carr escribió The Book of Small o The House of All Sorts. Su vida en sí misma la convirtió en un "icono canadiense", según la Enciclopedia canadiense. Así como ser "una artista de sensacional originalidad y fuerza", fue de maduración tardía, comenzando este trabajo con 57 años. Fue una mujer que tuvo éxito contra todo pronóstico, viviendo en una sociedad poco atrevida artísticamente, convirtiéndola de este modo en "un referente del movimiento de la mujer", para quien la conoció en 1930 en Nueva York.

Agenda



Picasso/Lautrec

Cuando el joven Picasso visitó París por primera vez, en octubre de 1900, Lautrec ya estaba muy enfermo y moriría un año después. A pesar de ello, la obra radical de Lautrec, la iniciativa de integrar alta y baja cultura, el arte y la publicidad, que supuso un modo de entender la modernidad, produjo un impacto muy potente en Picasso quien descubrió el pluralismo de la sociedad moderna que condicionó su modo de entender el arte y derivó en una nueva percepción creativa. A pesar de ser bien conocidas estas afinidades, la exposición Picasso/Lautrec es el primer estudio comparativo de estos dos grandes maestros de la modernidad. A través de un centenar de obras organizadas en torno a los temas que interesaron a ambos, podremos comprobar la apropiación por parte del joven Picasso de determinados elementos de Toulouse-Lautrec, pero también las afinidades existentes entre las obras de ambos y la continuidad de esas resonancias en la obra tardía del pintor español.

Museo Thyssen-Bornemisza
Paseo del Prado- Madrid
Del 17 octubre-24 enero 2018



El mundo de Giorgio de Chirico. Sueño o realidad

La obra de Giorgio de Chirico se caracteriza por una incesante investigación en diferentes planos: desde su periodo metafísico inicial, en la década de 1910, el trabajo por el que más se le conoce, en el que muestra su personal transformación del arte clásico mediante sus enigmáticas piazzas de arquitectura renacentista, pasando por los temas iconográficos de las décadas de 1920 y 1930, sus investigaciones técnicas sobre la pintura de los grandes maestros durante la década de 1940, hasta su periodo neometafísico entre 1968 y 1976. Esta exposición recorre las principales fases creativas de Giorgio de Chirico y retrata la continua investigación de la idea artística, marcada por una constante búsqueda en el plano iconográfico y simbólico capaz de crear una continuidad de la tradición artística italiana en el arte. Este empeño de continuidad fue uno de los elementos que determinó su posición destacada en el arte internacional, sobre todo en su influencia en el movimiento surrealista y en otros grandes artistas y escritores de la primera mitad del siglo XX.

CaixaForum Madrid
Del 22 de noviembre al 18 de febrero de 2018


Zuloaga en el París de la Belle Époque. 1889-1914

La exposición pretende ofrecer una imagen de la obra del pintor de Eibar poco habitual. Sin obviar la interpretación tradicional que le une al tópico de la España negra, el recorrido expositivo excede esta concepción y muestra cómo la pintura de Zuloaga combina un profundo sentido de la tradición con una visión plenamente moderna, especialmente ligada al París de la Belle Époque y al contexto simbolista en el que el pintor se mueve por aquellos años. Para poder contar esta visión de Zuloaga es necesario situar su obra junto a la producción de otros artistas contemporáneos como Paul Gauguin, Paul Sérusier, Pablo Picasso, Francisco Durrio, Santiago Rusiñol, Maurice Denis, Émile Bernard, Giovanni Boldini, Jacques Émile Blanche o el escultor Auguste Rodin, entre otros. La muestra, con más de 90 obras, ha contado con más de 40 prestadores, entre colecciones particulares nacionales e internacionales además de la propia familia Zuloaga, e instituciones como la Galleria Internazionale d'Arte Moderna di Ca' Pesaro, Venecia; Museum of Fine Arts, Boston; Musée d'Orsay, París; Musée national Picasso, París; Musée Rodin, París; Museo de Bellas Artes de Bilbao; National Gallery of Art, Washington D.C.; The State Hermitage Museum, San Petersburgo o The State Pushkin Museum of Fine Arts, Moscú.o.

Mapfre Recoletos (Madrid)
del 28 de septiembre al 1 de enero 2018

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